sábado, 26 de septiembre de 2015

Volviendo y revolviendo los premios Óscar (III): Mejor Película 1994

La idea de este juego es que, a partir de las opciones que da el premio de la Academia, convoquemos a participantes y visitantes a votar y discutir sobre la categoría y el año propuestos. La regla es una nada más: hacer un ránking de los cinco, valorar cada nominado del 0 al 5 y hacer un breve comentario sobre lo que les pareció cada uno.


Por falta de otros participantes, vuelvo a votar yo y escojo Mejor Película 1994, con tres fuertes candidatos, uno decente y el paupérrimo ganador.




[GANADORA DEL ÓSCAR] Forrest Gump dirigida por Robert Zemeckis y producida por Wendy Finerman, Steve Starkey y Steve Tisch.
Ganó también Director, Actor (Tom Hanks), Guión Adaptado (Eric Roth), Edición (Arthur Schmidt) y Efectos Visuales (Ken Ralston, George Murphy, Stephen Rosenbaum y Allen Hall).
Fue nominada a Actor Secundario (Gary Sinise), Fotografía (Don Burgess), Dirección de Arte (Rick Carter y Nancy Haigh), Partitura (Alan Silvestri), Sonido (Randy Thom, Tom Johnson, Dennis S. Sands y William B. Kaplan), Efectos de Sonido (Gloria S. Borders y Randy Thom) y Maquillaje (Daniel C. Striepeke, Hallie D'Amore y Judith A. Cory).


Four Weddings and a Funeral (Cuatro Bodas y un Funeral) dirigida por Mike Newell y producida por Duncan Kenworthy
Nominada también a Mejor Guión Original.



Pulp Fiction dirigida por Quentin Tarantino y producida por Lawrence Bender.
Ganadora de Mejor Guión Original (Quentin Tarantino y Roger Avary)
Nominada a Director, Actor (John Travolta), Actriz de Reparto (Uma Thurman), Actor de Reparto (Samuel L. Jackson) y Edición (Sally Menke).



Quiz Show (El dilema) dirigida por Robert Redford y producida por Michael Jacobs, Julian Krainin, Michael Nozik y Robert Redford.
Nominada también a Director, Actor de Reparto (Paul Scofield) y Guión Adaptado (Paul Attanasio).



The Shawshank Redemption (Cadena perpetua) dirigida y escrita por Frank Darabont, y producida por Niki Marvin.
Nominada también a Actor (Morgan Freeman), Guión Adaptado, Mejor Fotografía (Roger Deakins), Partitura (Thomas Newman), Edición (Richard Francis-Bruce) y Sonido (Robert J. Litt, Elliot Tyson, Michael Herbick y Willie D. Burton)

Para votar en las anteriores:
Mejor Director 2011
Mejor Actriz 2004

miércoles, 23 de septiembre de 2015

Teasers y afiche de Te prometo anarquía (Julio Hernández Cordón, 2015)

Aquí tres 'teasers' de Te prometo anarquía de Julio Hernández Cordón, actualmente en el Festival de San Sebastián. Viene de participar en el Festival de Locarno, donde fue muy bien recibida,
y después será presentada en el Festival Internacional de Vancouver.

Según la página FilmAffinity, a película trata sobre Johnny, un ayudante de traficante de drogas, y Miguel, un chico que es skater, quienes son amantes. Johnny vive en la casa de Miguel porque su madre trabaja ahí como empleada doméstica. Johnny y Miguel son socios. Se dedican a robar droga del jefe de Johnny, mientras Miguel la vende en el parque donde patina. Ellos comenten un error.

Todavía no está previsto estreno oficial en México, de donde es la película co-producida por Alemania


domingo, 6 de septiembre de 2015

Volviendo y revolviendo el premio Óscar (II): Mejor Director 2011

La idea de este juego es que, a partir de las opciones que da el premio de la Academia, convoquemos a participantes y visitantes a votar y discutir sobre la categoría y el año propuestos. La regla es una nada más: hacer un ránking de los cinco, valorar cada nominado del 0 al 5 y hacer un breve comentario sobre lo que les pareció cada uno.

En esta segunda oportunidad, Tony A. escogió y se fue por la categoría de director del año 2011:


*Terrence Malick, Tree of Life (9 puntos x 5 = 45)
(Segunda nominación)
"Visionaria dirección de una de las grandes obras del séptimo arte" (Tony A.)
"Como el vaivén en un bote que de repente te arropa con una ola y te revuelca, la película rearticula la maravilla de la vida y de la muerte desde el detalle. En sus breves episodios en torno al universo y la vida familiar, como si la familia fuera nuestro universo primero, se van esbozando los vínculos entre padre, madre y hermanos. Éste es el trabajo de un visionario porque revitaliza tales vínculos a través de la naturaleza" (Eduardo)



[Ganador del Globo de Oro] Martin Scorsese, Hugo (4.5 puntos x 4 = 18)
(Séptima nominación en esta categoría, un Óscar por The Departed)
"Un maestro haciendo uno de sus trabajos más singulares" (Tony A.)




[GANADOR DEL ÓSCAR] Michel Hazanavicius, L'Artist (6 puntos x 3 = 18)
(Primera nominación)

"Momentos inspirados pero lamentablemente en su conjunto, bastante olvidable" (Tony A.)
"No la recordaba tan poco inspirada, aunque la pesadilla del sonido sigue siendo genial y una suerte de cortometraje dentro de toda la película. El resto, sí, es tierno, los actores se desenvuelven bien, pero no mucho más que eso" (Eduardo)


Woody Allen, Midnight in Paris (4 puntos x 3 = 12)
(Séptima nominación en esta categoría)
"Maestro infravalorado por su dirección hace uno de sus filmes más sobresalientes en muchísimos años" (Tony A.)


Alexander Payne, The Descendants (1 punto x 1 = 1)
(Segunda nominación en esta categoría)
"La peor película de su carrera, a mi parecer. Dirección plana e insulsa" (Tony A.)



Éste es el enlace para participar en la categoría anterior: Mejor Actriz 2004.


* En esta fotografía no aparece Terrence Malick. Se consiguen muy pocas fotos de él en internet

sábado, 29 de agosto de 2015

Volviendo y revolviendo los premios del Óscar (I): Mejor Actriz 2004

Empecemos a volver a barajar las decisiones de la Academia categoría por categoría. Hagámoslo dando nuestras opciones y el ránking en la sección de comentarios y yo voy añadiendo los puntos y los comentarios. Lo ideal sería ver todas las nominadas para refrescarlas y entablar una discusión en torno a la categoría.

Empecemos, así, con una categoría y un año fuertes en su variada gama de actuaciones y películas: 2004.


Imelda Staunton (Vera Drake), "Vera Drake" *****
(100 puntos)
"Los detalles y matices del rostro de Staunton son de una expresividad y potencia emotiva insuperables en esta categoría"(Tony A.)
"Poco valen los superlativos para hablar de la dignidad que manifiesta Imelda Staunton como Vera Drake. La bondad y la ternura de su actuación no empobrecen el lado más conflictivo de su rol: la moral con la que (nos) enfrenta el aborto. Si existiera la justicia, ella habría ganado sin problema" 
(Eduardo)


Kate Winslet (Clementine Kruczinsky), "Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos" *****
(80 puntos)
"El encanto de su actuación reside en descomponer, por un lado, la Clementine de Joel y, por otro, su propia Clementine. La riqueza de su presencia es inolvidable" (Eduardo).


Annette Bening (Julia Lambert), "Being Julia" **** 1/2
(54 pùntos)
"La capacidad de Bening de verter su experiencia vital a las tablas, de conseguir una suerte de justicia poética, impresiona y hace que parezca, efectivamente, una catarsis" (Eduardo)




Catalina Sandino Moreno (María Álvarez), "María, llena eres de gracia" *** 3/4
(30 puntos)
"Desde la sencillez y la humildad, Sandino Moreno no deja al lado la fiereza de su personaje. La película nos lleva con ella sin saber muy bien qué hará para enmendar el error, pero Catalina permite sentir que ha habido algún aprendizaje tras sus decisiones y, sobre todo, entereza para afrontarlas"

[GANADORA DEL ÓSCAR] Hilary Swank (Maggie Fitzgerald), "Million Dollar Baby" ** 3/4
(11 puntos)
"La empatía y la sencillez de Swank son entrañables, pero el guión ha hecho de Maggie una santurrona y no un personaje de carne y hueso" (Eduardo)

lunes, 24 de agosto de 2015

Tráiler de Papusza (Joana Kos y Krzystof Krause, 2014)


La biografía de la poeta polaca Bronislawa Wajs "Papusza".

jueves, 15 de mayo de 2014

Algunas citas de Magnolia


Jimmy Gator: El libro dice "Puede que hayamos acabado con el pasado; pero el pasado no ha acabado con nosotros".

-.-

Earl Patridge: La amaba tanto... Y ella sabía lo que hice. Sabía todas las cosas estúpidas que había hecho. Pero el amor... era más fuerte que cualquier cosa en la que puedas pensar. ¡El maldito remordimiento! Oh, y voy a morir. Ahora me voy a morir... y te diré algo... el error más grande de mi vida... dejé ir a mi amor. ¿Qué fue lo que hice? Tengo sesenta y cinco años. Y estoy avergonzado. Hace un millón de años... el maldito remordimiento y la culpa, esas cosas, no dejes que nadie te diga que no debes arrepentirte de nada. No los dejes. ¡No! Te arrepientes de la mierda que te dé la gana. Úsalo. Úsalo. Usa ese remordimiento para lo que quieras, de la forma que quieras. Lo puedes usar. Oh, Dios mío. Es un camino largo y sin llegadero. Una pequeña historia final, digo... amor, amor, amor. Esta jodida vida... oh, es jodidamente difícil. Es tan larga. La vida no es corta, es larga. Es larga, maldita sea. ¿Qué hice? ¿qué hice? ¿qué hice? Phil, ayúdame, ¿qué hice?

-.-

Dixon: Cuando el sol no funciona, el buen Señor trae la lluvia.

-.-

Stanley Spector: [mirando la lluvia de sapos] Esto pasa. Esto es algo que pasa.

-.-

Claudia Wilson: Ahora que te conocí, ¿te importaría no volver a verme?

-.-

Claudia Wilson: Te diré todo, y tú me dirás todo, y tal vez podamos sortear toda la mierda y las mentiras que matan a las demás personas.

-.-

Claudia WIlson: Me da muchos nervios que pronto me vayas a odiar. Vas a descubrir cosas sobre mí y me vas a odiar.

Jim Kurring: No. ¿Como qué? ¿A qué te refieres?

Claudia Wilson: Tienes tanto, tantas cosas buenas. Y te ves tan íntegro. Eres un policía y te ves tan recto y normal, sin problemas

Jim Kurring: Hoy perdí mi arma.

Claudia Wilson: ¿Qué?

Jim Kurring: Perdí mi arma hoy cuando te dejé, y soy el hazmerreir de mucha gente. Quería decírtelo. Que supieras lo que está en mi cabeza. Y me hace quedar como un tonto. Me siento como un tonto. Y dijiste que deberíamos decir cosas... que diríamos lo que estábamos pensando. Bueno, puedo decirte eso, esto, que perdí mi arma hoy, y no soy un buen policía. Y me menosprecian por eso. Y me asusta que una vez que sepas eso, ya no te gustaré.

Claudia Wilson: Jim. Eso, eso fue tan...

Jim Kurring: Lo siento.

Claudia Wilson: ...genial. Eso que acabas de decir.

-.-

Jim Kurring: [A Claudia] No puedo dejar ir esto. No puedo dejarte ir. Solo escúchame. Eres una buena persona. Eres una buena y hermosa persona y no dejaré que te alejes de mí. Y no te dejaré decir esas cosas, esas cosas sobre que eres estúpida y esto y aquello. Quieres estar conmigo, entonces está conmigo, ¿ves?

-.-

Donnie Smith: Estoy enfermo y enamorado.

Thurston Howell: Pareces la clase de persona que confunde las dos cosas.

Donnie Smith: Es correcto. Es la primera vez que tienes razón. Confundo las dos cosas, y no me importa.

-.-

Jim Kurring: Mucha gente piensa que este es un trabajo al que vas. Tomas la hora de almuerzo, y trabajo finalizado. Algo así. Pero es un asunto de 24 horas. No hay otra manera de hacerlo. Y lo que la gente no ve... es lo difícil que es hacer lo correcto. La gente piensa que si realizo un juicio los estoy juzgando a ellos, pero no es lo que hago. Y no es lo que debería hacerse. Debo observar todo y armarlo desde allí. A veces la gente necesita algo de ayuda. A veces la gente necesita ser perdonada. Y a veces necesitan ir a la cárcel. Y esa parte es muy truculenta para mí... tomar esa decisión. Quiero decir, la ley es la ley. Y, ay si la rompo. Puedes perdonar a alguien. Bueno, esa es la parte difícil. ¿Qué podemos perdonar? Es la parte difícil del trabajo. Es la parte difícil de caminar por la calle.



lunes, 3 de febrero de 2014

A propósito de Un eterno resplandor de una mente sin recuerdos

Recuerdo que antes de ver El eterno resplandor de una mente sin recuerdos tenía muchos prejuicios en torno a Jim Carrey y sus actuaciones dramáticas, lo catalogaba de “morisquetero” y nada más, como si yo fuese muy seria. Vi la película y me gustó, dejé a un lado mis juicios a priori, disfruté del argumento y de dos personajes sufrientes de eso que llaman amor.
  En aquel momento fue para mi una buena película, una buena historia, al igual que las actuaciones y nada más, no llegó a tocarme alguna fibra emocional o el punto de identificación de querer ser, o sentirse como. Dentro de la trama parecía verosímil que después de amar tanto podrías querer borrar todo recuerdo de un amor tan apasionado, desestimaba que eso podría pasar en la vida real,  al menos eso creía hasta el año 2012.
   Hace poco volví a ver la película en cuestión, lloré como una imbécil , decía “yo quiero hacer eso”, “quiero que me lo borren de la mente”, refiriéndome a aquel amor perdido y todo lo que conlleva, antes pensaba que jamás hubiese querido hacer algo así, porque siempre sobreviven las cosas buenas, los recuerdos, el amor, sin embargo cuando los recuerdos  se vuelven lacerantes sería grandioso restar, borrar de la mente de uno lo bueno, lo malo, todo, para no burlarse, para no sentir lástima, para no llorar.
   Al detallar la experiencia que tuve con esta película puedo afirmar que al cambiar mi sitio de enunciación mi opinión cambió, porque más allá de la crítica y la evaluación de un hecho ficcional somos seres humanos y por más que no queramos en gran medida emitimos nuestra opinión basándonos en la propia experiencia.
   Me pasó con Un eterno resplandor de una mente sin recuerdos lo que me sucedió con las primeras materias del área de Literatura y vida en la Escuela de Letras, las despreciaba porque simplemente no las comprendía, abordaba las lecturas y las clases desde los conceptos, más no desde la experiencia, porque no les encontraba sentido. Pasó el tiempo y me di cuenta que mi valoración hacia esta área de estudio dependía de una cuestión que corresponde a la esfera de la madurez, el entendimiento lúcido y la confrontación de mi propia ignorancia.
   Cuando vi por primera vez Un eterno resplandor… estaba contaminada de muchas concepciones, posturas que me no permitían disfrutar por completo de la experiencia cinematográfica, la vi cotejándola con otra cosa, evaluándola con la rigurosidad de una nota al pie de página.
    Luego me fui deslastrando de ciertas cosas, tuve en mi vida varías epifanías y comprendí viviendo lo que era una anagnórisis, le encuentro mayor sustancia a lo que dicen los poemas y aprecio la oportunidad de haber visto Literatura y vida y seminarios de simbología.
    Ahora otorgo oportunidades justas a lo que veo, a lo que leo, trato de confrontar lo que aprendí sobre el mundo ficcional, la verosimilud, la trama y la mimesis con lo que he vivido, con lo que me gusta y con lo que me doy licencia de creer.
     No quiere decir que todas las películas, libros y exposiciones que he presenciado hayan sido todas excelentes, experiencias de crecimiento espiritual o que encontré el sendero de la iluminación, simplemente me he dado la oportunidad de encontrar productos culturales de gran valor simbólico en sitios que antes me eran ajenos. Un eterno resplandor de una mente sin recuerdos fue la película que terminó de abrir la puerta para “aprender a ver” como decía Rilke.

  Gabriela Durán Arnaudes













martes, 13 de agosto de 2013

Rebeldía en la juventud (Lovelace, Epstein & Friedman 2013).

Linda Lovelace se ha convertido en un icono de la cultura pop desde que se estrenara en 1972 la que hoy en día es la película porno mas taquillera de todos los tiempos, Deep Throat/Garganta Profunda, su singular habilidad la llevo al estrellato y la prohibición del filme en USA la convirtió en mito, pero nada fue bonito para Linda Boreman, quien fue victima de la violencia domestica por parte de su para entonces esposo Chuck Traynor, quien la llevó a la prostitución y posteriormente al mundo de la pornografía.

Esta introducción sirve de apertura para hablar del bio-pic de esta "actriz", interpretada muy bien por Amanda Seyfried quien venía de dar tumbos en sus últimas películas, aunque Seyfried ha dicho que esta película podría dañar su carrera, yo no pienso de esa forma, este filme puede consolidarla como una actriz para papeles fuertes en Hollywood, la ternura combinada al dolor que vivió Lovelace hacen de esta interpretación una joya que debería estar nominada al oscar 2014.

Peter Saarsgard es muy sobrio en el papel de Traynor, un chulo de poca monta en los años 70, pero el personaje que me parece muy impactante es Hugh Hefner; James Franco le da vida al dueño de Playboy y aunque sale por un poco mas de 4 minutos, deja un buen sabor de boca en el público, podemos incluir a Hank Azaria que en su papel como Jerry Damiano saca sonrisas entre tanta sobriedad.

Lovelace es una película que dura 87 minutos, pero no deja de ser un gran bio-pic, aunque los directores pudieron haber arriesgado un poco mas, la película no es para nada aburrida y tiene buen ritmo, con las actuaciones dieron fuerza a la película que cuenta muy poco acerca de la historia, el ascenso y el sufrimiento de Lovelace, le falto un poco de picante sin caer en lo grotesco.

3/5
Rowerth Goncalves.
@Rowerth_unico

jueves, 11 de julio de 2013

Trailer de "El Pasado" / Le passé (Asghar Farhadi, 2013)

Ganadora a la Mejor Actriz (Berenice Béjo) y el premio del Jurado Ecuménico en el Festival de Cannes de este año.


Trailer de Inside Llewyn Davis (Coen Brothers, 2013)

Premio del Jurado en el Festival de Cannes de este año.


viernes, 28 de diciembre de 2012

La mentira tiene alas cortas (Flight, Zemeckis 2012)


Whip Whitaker un piloto con problemas de alcoholismo salva a la mayoría de los pasajeros de un vuelo haciendo una maniobra que mas nadie ha podido hacer pero, la investigación posterior comienza a develar que Withaker puede haber sido el causante del accidente, esta es la premisa del nuevo film de Robert Zemeckis protagonizado por Denzel Washington.

Washington nos deleita con una actuación memorable como el piloto Whip Whitaker un hombre sumido en el alcoholismo y las drogas lo que lo ha llevado a perder a su esposa y su hijo, durante un vuelo al cual se sube ebrio consigue salvar a la mayoría de los pasajeros y tripulantes con una maniobra que según muchos fue una "obra de Dios", mientras es un héroe nacional Whitaker es visitado por Charlie Anderson un ex-piloto y presidente del sindicato interpretado por Bruce Greenwood en una actuación bastante sobria como nos tiene acostumbrados  en medio de este accidente y sumido en el hospital Whitaker conoce a Nicole una drogadicta en plena rehabilitación.

Después de salir del hospital Anderson le presenta a Whip un abogado llamado Hugh Lang interpretado por Don Cheadle quien comienza a hablarle de su posible culpabilidad en el accidente, mientras Whitaker comienza una relación con Nicole llevada a la pantalla por Kelly Reilly.

Una película en la que los demonios internos de las personas y el sentido de culpabilidad nos llevara en una montaña rusa de emociones que nos mantendrán al filo del asiento pensando en lo que hará Whitaker con su "obra de Dios"

Lo clásico nunca muere (Frankenweenie, Burton 2012)


En 1984 Tim Burton filmó un mediometraje de aproximadamente 35 minutos en Live Action llamado Frankenweenie, era una versión libre del afamado libro de Mary Shelley "Frankenstein", en esta historia el monstruo que creó Víctor Frankenstein es su perro Sparky quien fue atropellado por un camión y Víctor no era un Doctor sino un niño que le gustaba mucho la ciencia. Gracias a este film Burton fue despedido de Disney por considerar su obra demasiado terrorífica para el publico infantil pero, tuvo éxito en el Reino Unido y fue lanzada como VHS en 1994.

En 2007 Disney desempolvó la historia de Frankenweenie y Tim Burton estuvo de acuerdo en realizar el film en animación Stop Motion, desde allí se comenzó a gestar la que hoy es una película para un público juvenil y quizás para el público adulto.

Rememorando los clásicos del terror en el cine y todos sus elementos Burton nos regala una joya en términos de estética  historia y animación, el que este en Blanco y Negro hace que la película resalte mucho mas el estilo gotico de su creador, luego de muchísimos films con Jhonny Deep que Burton haga esto es una bocanada de aire fresco, su última obra Dark Shadows no fue lo que muchos esperábamos  la formula Deep-Burton se estaba haciendo demasiado repetitiva pero, Frankenweenie devolvió la esperanza de que Tim Burton todavía tiene grandes ideas para el cine. Frankenweenie la versión "infantil" de Frankenstein es sin duda una referencia cuando se hable del monstruo Prometeo.  

jueves, 15 de noviembre de 2012

Trailer de Welcome (Philippe Lioret, 2009). Festival Euroscopio 2012


Lo que nos faltó de Secretos ocultos (Joel Schumacher, 2009)


Este domingo 21 de octubre, el misterio ya formaba parte de nuestro ritual. Algunos del grupo de cine íbamos a ver alguna película en el Cine Ayacucho; misterio sobre todo por el hecho de que un cine tan viejo se mantuviera funcionando; o sea, fuimos por el ritual en sí. Asumimos el misterio de cuáles películas estarían proyectando. Eran las tres de la tarde cuando llegamos. Y asumimos la ignorancia de meternos en una que ya era poco lo que prometía con su título redundante y, apenas, con el gancho de ser protagonizaba por Michael Fassbender. "Es el mismo de Shame y el de Prometeo", repetía y me repetía yo, acaso queriendo convencerme y convencernos de verla, aunque lo que más nos forzaba era una cuestión de horario: la función más cercana era la de esa película, a las 3:10 pm.

A las tres y diez, entramos a la sala a oscuras en donde se proyectaba ya a un Michael Fassbender en blanco y negro. Para cuando nos sentamos, ya las imágenes estaban a color y Fassbender había desaparecido.

Para el momento donde regresó, mucha sangre había sido derramada en la película, nosotros nos habíamos perdido entre la acción y el suspenso de dos hermanos en busca de venganza ante un ser misterioso, y Michael era el ser misterioso: Wirth, un monstruo nazi, malcriado, todopoderoso, que deseaba alcanzar la inmortalidad a través de un tercer ojo lamiéndole las espaldas sangrientas a sus víctimas. Aquí el misterio se había perdido, todo lo sagrado que rodeó el ritual de una sala a oscuras con vigas de madera, con espectadores hipnotizados ante la pantalla, estallaba en una risa que nos volvía cómplices a los del grupo y se perdía con bombillos cilíndricos o arañas de bombillos ahorradores.

domingo, 9 de septiembre de 2012

Trailer de Summer '04 (Stefan Krohmer, 2006)


En Centro Plaza, La Previsora y Paseo Las Mercedes.

miércoles, 1 de agosto de 2012

martes, 31 de julio de 2012

El Incierto final de El Caballero de la Noche (The Dark Knight Rises, Nolan, 2012)

Las trilogías no siempre terminan bien. Incluso dicen que segundas partes no son buenas. Pero luego de ver The Dark Knight el mismo Christopher Nolan dejó "la vara muy alta" para lo que sería la tercera entrega de la saga. En el proceso desde 2008 hasta 2010 se corrían rumores de los posibles villanos para la última película, un pingüino interpretado por Phillip Seymour Hoffman o un Acertijo interpretado por Johnny Depp fueron algunos de los nombres que se avizoraron. Al final se develaron los nombres de los villanos: Catwoman (Anne Hathaway) y Bane (Tom Hardy) serían los encargados de hacerle la vida imposible al alter-ego de Bruce Wayne (Christian Bale).

Un final con mucha incertidumbre para la saga de Nolan, la ambientación de este film fue un poco menos "oscura" que su predecesora, pero contó con un villano muy mental y con mucho poder a nivel físico, Bane que en este film fue hecho con mas poder mental que físico, a diferencia de la visión de Joel Schumacher que lo colocó como un ser de puro músculos y nada de materia gris, pero aunque el personaje fue bien confeccionado se dejaron muchas lagunas sobre el origen del villano que en esta oportunidad interpreta Tom Hardy; otra "villana" es Catwoman una ladrona con mucha habilidad cuyo verdadero nombre es Selina Kyle y es encarnada por la hermosa Anne Hathaway, ella hace una de las mejores interpretaciones en el film debido a la dualidad moral y el síndrome Robin Hood que vive.

Las actuaciones de Michael Caine, Morgan Freeman, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard y Christian Bale le dan la atmósfera sentimental a la película y la aparición de Liam Nesson es un as bajo la manga de Nolan, esta película es un vórtice de sentimientos y torbellino a nivel psicológico, pero quede con ganas de seguir viendo al héroe nocturno espero que hagan algo porque con este film dejaron cabos sueltos


Rowerth Goncalves
@Rowerth_unico

jueves, 26 de julio de 2012

Trailer de Life of Pi (Ang Lee, 2012)


Un asomo a la nueva película de Ang Lee. Procuren verlo en pantalla completa.

viernes, 13 de julio de 2012

Trailer de Aguas Turbulentas (Eric Poppe, 2008)


Todavía, hasta el jueves 19 de julio, en el cine de La Previsora.

domingo, 17 de junio de 2012

Diálogos inconclusos: Shame (2): Brandon y Sissy

CÉSAR: Cabría preguntarse si se debe decir que la angustia de Brandon simplemente se acentuó con la llegada de Sissy o si, más bien, se volvió un problema para él. Antes lo vemos en su soledad, quizás ya vergüenza, pero ¿angustia? ¿No apareció como problema para él con Sissy?

YAMILETH: Para mí tiene peso esa entrada porque Sissy desencaja la rutina de él, vida física es vida psíquica también.

CRISTINA: Sissy es un catalizador, pero no creo que sea vergüenza lo que él siente al comienzo. Ya él iba por ese camino. Si estaba 'cómodo', no estaba tranquilo con esa situación.

EDUARDO: Yo no sé. ¿Cómo puede estar cómodo alguien inquieto? La llegada de Sissy es importante para acentuar el problema, pero la película empieza con Brandon como una imagen de su inquietud, esta imagen invertida de su cuerpo al borde. Quiero decir, Sissy es importante como reflejo de él, de que el caos de Brandon es un caos organizado con respecto al de ella, pero es caos en fin.

CÉSAR: Yo creo que antes de que llegara Sissy, Brandon está 'cómodo' en su humillación, en la degradación que siente y disfruta con su vida sexual. Pero cuando es confrontado a través de Sissy, y ve a alguien amado (y quizás el problema no sea de 'reflejo', creo que Brandon no es tan narcicista) en su situación, entonces no puede soportarlo.

YAMILETH: César, pienso que cuando algo nos refleja, ahí, exactamente, es donde estamos relacionándonos con un yo, quizás más interno que, claro, puede calar en vergüenza y demás. Yo no creo que sea vergüenza lo que Brandon siente al comienzo porque ahí hay sentimiento, atracción, un límite más que su yo no permite cruzar.

EDUARDO: ¡¿Cómodo?! Cómo va a estar cómodo con esa primera imagen de él acostado al borde. Y si ésta no les convence, pues veamos la del filthy hardrive que tampoco tiene que ver con su hermana. ¡¿Dónde está él justamente cuando habla con Marianne y después de que el jefe le ha hablado de su disco duro?! Su cabeza está fuera del plano. Apenas cuando ella aparece y hablan del azúcar, se asoma la nariz y parte del rostro de Brandon, pero de resto, está fuera de la imagen. Acaban de descubrirlo y esto lo (y nos) descoloca. Es como cuando bota toda su pornografía, su computadora portátil y hasta su comida: la siguiente imagen es él de espaldas a nosotros, su cabeza tan gacha que ni la vemos y, de fondo, las persianas cerradas.

CÉSAR: Claro, comodidad no es felicidad. Más de una vez estamos en situaciones que nos perjudican pero proporcionan tal nivel de seguridad que no salimos de ella. A eso me refiero con esta primera etapa de Brandon. Además, es un adicto. Qué mejor comodidad para un adicto que recibir su droga como y cuando la necesita.

EDUARDO: Exacto, es una rutina, pero es una rutina de inquietudes. Tal vez toda la película se trate de la rutina de estos inquietos.

CRISTINA: Cómo me refiero a que era su vida, su rutina, pero no que estaba a gusto o en paz con la situación.

MOISÉS: Pero no quiere salir de esa rutina, le gusta.

CRISTINA: No, no le gusta.

EDUARDO: ¿Quién es el que parece un fantasma cuando seduce con su mirada a la chica en el metro la primera vez? Si es fantasma para nosotros, lo es para él mismo.


MOISÉS: ¿Y si no se ha dado cuenta?

EDUARDO: Pero una imagen implica darse cuenta. Brandon está pendiente de su imagen, de su apariencia (y, en esto, es doblemente significativo lo cuidada que está la película en su composición, cinematográfica y visual), pero eso no quiere decir que no pueda ver más allá de sí. Y es la imagen la que nos agrieta mientras la apariencia se encierra en sí misma.

CÉSAR: Bueno, eso es una explicación, pero si seguimos con el tema de la comodidad, la cena con Marianne era una situación bastante amenazante para él, por el tema del compromiso, los sentimientos. Ante la amenaza, es impotente. Es sacado de su "zona de confort", el sexo casual.

YAMILETH: Sí, qué desajuste esa cena con Marianne y el posterior encuentro fallido con ella en el apartamento-mirador

EDUARDO: ¡Y esa escena luego de 'tirarse' muy a lo porno a la otra en ese 'mirador'! Atardeciendo, con el barco al fondo que pareciera atravesarlo y perderse en su silueta.

YAMILETH: Y que es la 'satisfacción alucinatoria del deseo' puesta en bandeja de plata de lo que había visto antes de entrar a la cita con Marianne. Lo cumplió, sí, con una puta.

jueves, 14 de junio de 2012

Trailer de Magic Mike (Steven Soderbergh, 2012)


¡Jajaja! Y aquí comienza el eye candy que prometía la película con este elenco.


Ojalá que la película dé lo campy que prometen el brillo del título y el lema "Trabaja todo el día. Trabájalo toda la noche".

miércoles, 13 de junio de 2012

Trailer de Drive (Nicholas Winding Refn, 2011)



Diálogos inconclusos: Shame (1): Brandon y el narcicismo

"¡No encontraba boca para besar! Una voz interior pareció reprocharle: - ¡Insensato! ¿Cómo te has enamorado de un vano fantasma? Tu pasión es una quimera. Retírate de esa fuente y verás como la imagen desaparece. Y, sin embargo, contigo está, contigo ha venido, se va contigo ¡y no la poseerás nunca!" (Las metamorfosis, Ovidio)


CRISTINA: ¿Es Brandon un narcisista? Yo voy y vengo, todavía no estoy segura de que lo sea. Siento que él está consciente de su malestar, así que ¿hasta dónde el narcicista está consciente de que está mal?

YAMILETH: Yo sí creo que Brandon sea narcisista, sólo que hay muchos niveles y estados de narcicismo, unos más primitivos, otros más dilatados.

CÉSAR: No, yo no creo. La relación entre Brandon y Sissy da cuenta de que Brandon es capaz de ver más allá de sí mismo, aunque levante mil paredes ante Sissy. Alguien narcicista no es capaz de ser afectado por el dolor de su hermana.

MOISÉS: Para mí sí lo es y creo que Sissy lo hace verse a sí mismo.

CRISTINA: Sí, estoy de acuerdo con César. ¿Qué les hace pensar que es narcisista?

EDUARDO: ¿Para ustedes el narcicista es, por decirlo de alguna manera, un completo engañado ante su propia imagen, entonces?

CRISTINA: Sí, es un engañado, pero no sé si completo, por eso mi duda.

MOISÉS: Para mí, es quien busca satisfacerse a sí mismo.


EDUARDO: Yo me quedo con la duda, y si nos quedamos con ella, implica que si no es narcicista, está bastante cerca.

CRISTINA: Y, sí, es cierto, esto de encerrar a las personas en patologías es una mierda, pero a veces es necesario.

CÉSAR: No, para mí, el narcicista es quien admira su propia imagen. Y Brandon desprecia cada trozo de su imagen y quisiera destruirla, agitar el agua donde se está reflejando.

EDUARDO: Casi estoy de acuerdo contigo. En el mito, el propio Narciso se lamenta de su pasión. Cambia 'de su imagen' por 'sí mismo' en eso que dices y estoy totalmente de acuerdo. Él está satisfecho con su apariencia, pero no con su imagen.

YAMILETH: Una de las escenas que más me hace pensar que sí es un narcicista es la cita con Marianne en el apartamento-mirador. Ahí él no logró "tirársela" porque es incapaz de "dar" al otro algo de sí, estaría perjudicándose, arriesgando, dando, emoción. Hablo de afectos, de la vida de los afectos, esta vida en la que él parece, sencillamente, un niño

CRISTINA: No sé, el amor del narcicista es un amor falso, una máscara.

CÉSAR: Pero Narciso se ve reflejado en el agua, ve su réplica exacta. No hay falsedad ahí. La imagen del narcicista pudiera ser real o ficticia, lo importante es que la ame.

CRISTINA: ¿Y cómo puede ser narcicista una persona tan destruida, tan inconforme con él mismo a nivel consciente? Además que para el narcicista nunca se ve a sí mismo como el problema.

YAMILETH: Cris, alguien consciente hace algo para cambiar el malestar. La conscientización sin cambios no puede ser conscientización.

CÉSAR: Ése es el gran fracaso de la psicoterapia. La conscientización puede ser bastante inútil. Al final, yo creo que alguien narcicista es, ante todo, un hijo de puta. Y cuando él se conmueve ante el talento de su hermana cuando canta, ante la belleza de alguien que no es él, para mí es muestra de que no es narcicista.

EDUARDO: Tal vez entonces no se trata de que esté 'consciente' en vista de que no hace algo (botar la pornografía no es suficiente si la siguiente noche termina como termina Brandon), pero desde el comienzo, esa primera imagen nos descoloca, con él al borde del plano, cadavérico y a duras penas ese azul que lo acobija.

miércoles, 30 de mayo de 2012

Amor (Michael Haneke, 2012): Ganadora de la Palma de Oro 2012


Uy, como si el título de la película ya no fuese intimidante, el trailer nos inquieta con ese final. Era sólo un recuerdo, una grabación. Siempre suena diferente.

martes, 22 de mayo de 2012

Canción de Le refuge (François Ozon, 2009)


Junto con la escena de la confesión, uno de los momentos más íntimos de la película.

miércoles, 25 de abril de 2012

Canción de Warrior (Gavin O'Connor, 2011)


Escojo la canción porque escoger la escena delataría toda la película. Qué precisión cuando suena esta canción y delata todo lo que temíamos, pero los personajes nunca se atrevieron a confesar. Puede que sea una película un tanto evidente, sólo que lo hace con sencillez y atenta a los matices entre padres e hijos.

miércoles, 11 de abril de 2012

¿Ficción o realidad? (The Hunger Games, Ross 2012)


"Felices Juegos del hambre y que la suerte esté siempre a su favor", una premisa bastante incoherente cuando vas a un campo en el que posiblemente vas a morir. Éste es el basamento de The Hunger Games, la primera de cuatro películas basadas en la saga del mismo nombre escrita por Suzanne Collins.

Gary Ross (Seabiscuit, 2003) dirige este guión que comienza con la historia de Katniss Everdeen, una chica de 16 años del Distrito 12 de Panem, país futurista que ocupa el territorio que era Estados Unidos e integrado por doce distritos, la mayoría de ellos pobres, y un capitolio que controla todo. Antes existían trece distritos pero una rebelión en contra del capitolio cambió las reglas y este distrito fue reducido a ruinas. Para conmemorar esa rebelión y como castigo, el capitolio creó los Juegos del Hambre, en la que cada distrito tiene que enviar un chico y una chica entre 12 y 18 años, llamados tributos, para batirse a muerte en una arena controlada por el capitolio y los vigilantes. En tal arena se tendrán que enfrentar a chicos que han sido entrenados como máquinas de matar, además de los desastres naturales enviados por los vigilantes. El tributo ganador se llenará de riquezas.

Katniss es llevada a la vida por la joven actriz Jennifer Lawrence (Winter's Bone). Ella se embarca en esta dura travesía y tendrá que lidiar contra veintitrés tributos entre los que está incluido Peeta Mellark, interpretado por Josh Hutcherson (The Kids Are All Right), un chico de 16 años del que no se espera mucho, pero en realidad es un poco confuso su personaje hasta que llega el momento.

Jennifer Lawrence sigue creciendo como actriz y Josh Hutcherson hace lo mismo. Liam Hemsworth no tiene mucho tiempo de metraje, pero cumple su papel correctamente. Hasta Woody Harrelson y Lenny Kravitz terminan quedándose en la mente de los espectadores, quizás un poco más de violencia habría encendido más la chispa, pero eso no afectó al filme para nada.

La política, la rebelión, la pobreza, ese sutil tono de la realidad que se vive hoy en día, la adolescencia y el amor siempre latentes en estas sagas juveniles, comulgan muy bien tanto en la obra literaria como en la cinematográfica. Yo quedé con ganas de más Juegos del Hambre, el metraje no fue suficiente. Para mí, quedaron muchas cosas sin contar que habrían hecho de ella una obra maestra, pero la película demuestra que puede ser más exitosa que otras sagsa, por ejemplo Crepúsculo con el perdón de sus adeptos. The Hunger Games va mucho mas allá de una simple saga juvenil, es una mirada a lo que puede pasar y está pasando en algunos lugares del mundo...

una chispa puede encender todo...

Rowerth Goncalves. (@Rowerth_unico)