Sinahal: Señora de los Partos

En un momento en el que la medicina institucional parece absorberlo todo, el documental “Sinahal, Señora de los Partos” (México, 2024) devuelve la mirada hacia los saberes considerados subalternos y que se preservan en las comunidades rurales, en la memoria colectiva y en la transmisión íntima entre generaciones de mujeres. La directora Glenny Torres construye una obra profundamente humana, respetuosa y sensible sobre la partería tradicional, pero también sobre la espiritualidad, la resistencia cultural y la persistencia de conocimientos ancestrales que durante décadas han sido minimizados por la hegemonía médica.

Distribuida por Alphaville Cinema y realizada en México, la película se acerca a la figura de Doña Rafa, una partera del sur del país cuya vocación no nació desde la educación formal, sino desde los sueños. Cabe decir que en distintas regiones del sur de México, el “don” ligado a la partería forma parte de una cosmovisión ancestral donde el conocimiento se transmite mediante señales, intuiciones, revelaciones espirituales y aprendizajes comunitarios entre mujeres. El documental recupera esta dimensión con enorme respeto, evitando exotizar a sus protagonistas o convertirlas en objetos etnográficos.

La premisa es sencilla y poderosa: Doña Rafa comparte su experiencia como partera tradicional y recuerda el papel fundamental de su esposo, Don Julio, quien también ejerció la partería. Más que un acompañante, Don Julio aparece como una figura decisiva en la consolidación de su trabajo, al impulsar su formación como partera y auxiliar de salud, tendiendo puentes entre el conocimiento comunitario y ciertas prácticas institucionales. A partir de esta relación, "Sinahal" explora no sólo el acto de asistir nacimientos, sino la construcción colectiva del cuidado y la salud en contextos donde el Estado suele llegar tarde, o simplemente no llega.

La intención de Glenny Torres parece ir más allá del simple registro documental. La directora busca compartir la fuerza y la sabiduría ancestral de las mujeres parteras, particularmente de los pueblos mayas, cuyas prácticas han sobrevivido gracias a la transmisión oral y comunitaria. Ahí reside una de las mayores potencias de la película: mostrar el parto no como una emergencia médica deshumanizada, sino como un proceso profundamente físico, emocional y espiritual donde el cuidado colectivo, el respeto y la empatía ocupan el centro.

El documental transmite con enorme sensibilidad la fuerza de las mujeres dando a luz acompañadas por la presencia amorosa, casi maternal, de Doña Rafa. Su manera de mirar, tocar y hablar revela una ética del cuidado basada en la escucha y el respeto absoluto hacia la corporalidad femenina. A ello se suma la presencia de Doña Tina (q.e.p.d.), cuyos masajes y prácticas de sanación para ayudar a concebir amplían el horizonte de la película hacia una comprensión integral del bienestar de las mujeres. Lejos de presentar estas prácticas como curiosidades folclóricas, en "Sinahal" se las reconoce como expresiones legítimas de conocimiento ancestral y resistencia cultural.

Uno de los mayores aciertos del documental reside precisamente en su sensibilidad para observar. Glenny opta por una cámara paciente, cercana y contemplativa. Comprende que la fuerza de la historia está en la palabra, en los silencios y en la presencia de estas mujeres sabias. La película parece respirar al ritmo de sus relatos y de la relación afectiva que mantienen con su entorno. Esa decisión formal construye una atmósfera íntima y coherente con su tema central: el parto como una experiencia humana, transgeneracional y comunitaria, una visión más amplia que sólo un procedimiento clínico.

La figura de Doña Rafa se convierte en el corazón de la película. No se trata únicamente de una mujer que ayuda a traer vidas al mundo, sino de alguien que encarna una tradición de cuidados sostenida históricamente por mujeres en comunidades rurales e indígenas. En ese sentido, el documental dialoga con debates contemporáneos sobre la medicalización de las corporalidades de las mujeres, la violencia obstétrica y la importancia de reconocer los saberes comunitarios de las mujeres como parte fundamental de la salud pública.

Resulta especialmente significativo que estas mujeres sostengan una idea que aún hoy sigue siendo motivo de disputa en muchos sistemas sanitarios: el parto debe ser acompañado, respetuoso y humanizado. También reivindican la importancia del cuidado posterior al nacimiento, no sólo desde el ámbito médico, sino también desde el acompañamiento emocional y espiritual.

Visualmente, el documental apuesta por la sobriedad. Esa decisión favorece la autenticidad del relato. La fotografía privilegia los espacios cotidianos, las corporalidades y los gestos mínimos, permitiendo que la dimensión humana prevalezca sobre cualquier artificio visual. La atmósfera transmite calidez y cercanía, mientras que el ritmo pausado construye una experiencia contemplativa que invita más a la reflexión que al consumo acelerado de información.

Otro elemento particularmente valioso es la manera en que la película coloca en el centro la dimensión espiritual de la partería sin romantizarla. En tiempos donde el discurso racionalista suele invalidar todo conocimiento no institucional, "Sinahal" plantea una pregunta incómoda pero necesaria: ¿qué saberes se pierden cuando las comunidades dejan de transmitir sus formas tradicionales de cuidado?

La película no rechaza la medicina moderna; más bien evidencia la tensión entre ésta y las prácticas ancestrales que históricamente sostuvieron a miles de comunidades mexicanas. También muestra que ambos saberes pueden dialogar y complementarse en favor de la salud de las mujeres y sus hijos e hijas. La práctica de la partería aparece así no sólo valorada por las comunidades locales, sino también por mujeres provenientes del interior y exterior del país que viajan en busca de estas mujeres sabias.

Dentro del panorama reciente del documental mexicano, la obra de Glenny Torres se inserta en una línea de cine interesado en las memorias comunitarias y las resistencias culturales frente a los modelos homogenizantes de desarrollo. La directora apuesta por la observación sensible y por la dignificación de sus personajes. Ahí radica buena parte de la potencia política de la película: mostrar que la resistencia también habita en los cuidados, en la transmisión oral y en la persistencia de las prácticas comunitarias.

En ese sentido, "Sinahal" dialoga de manera significativa con "La primera sonrisa", documental de la directora Guadalupe Sánchez Sosa (Colectivo Cine Mujer, México). Estrenada en 2014, la película sigue el recorrido de un grupo internacional de parteras convocadas por la reconocida partera Naolí Vinaver entre México y Brasil para profundizar en su oficio y convertir el acompañamiento al parto en un proceso de sanación colectiva. A través de talleres de herbolaria, técnicas de rebozo y testimonios de mujeres embarazadas que comparten sus miedos y experiencias corporales, "La primera sonrisa" construye un retrato íntimo sobre el redescubrimiento de la naturaleza femenina y la reapropiación del cuerpo frente a las violencias médicas e institucionales.

La relación entre ambos documentales resulta significativa porque evidencian una línea de cine interesado en resignificar el parto desde perspectivas humanizadas y descolonizadas. Tanto "La primera sonrisa" como "Sinahal" entienden la partería no sólo como práctica sanitaria, sino como un conocimiento ancestral sostenido históricamente por mujeres y vinculado con el cuidado colectivo, la espiritualidad y la autonomía corporal. En ambas películas, la corporalidad de las mujeres deja de ser tratado como territorio clínico para convertirse en espacio de memoria, acompañamiento y resistencia.

Sin embargo, mientras "La primera sonrisa" posee una dimensión más colectiva y transnacional, enfocada en el intercambio de saberes entre parteras de distintas partes del mundo, "Sinahal" apuesta por una aproximación más íntima y territorial. Glenny Torres concentra su mirada en la experiencia concreta de Doña Rafa y Doña Tina, situando la sabiduría ancestral de las mujeres mayas como eje emocional y político del relato.

Esa diferencia de enfoque permite que ambas películas se complementen dentro de un corpus documental más amplio sobre maternidad, parto respetado, medicina tradicional y saberes ancestrales de las mujeres en América Latina. Las dos comparten una preocupación fundamental: recuperar la dignidad de los procesos de nacimiento y cuestionar la medicalización excesiva del cuerpo de las mujeres.

La importancia de "Sinahal" dentro de esta tradición documental radica en su capacidad para articular esa discusión desde una sensibilidad profundamente local y comunitaria. La película no sólo documenta prácticas ancestrales como la herbolaria o los masajes; también registra una filosofía del cuidado donde acompañar, escuchar y respetar los tiempos del cuerpo forman parte esencial del nacimiento. En una época marcada por la deshumanización de muchos sistemas de salud, el documental recuerda que traer una vida al mundo también puede ser un acto de comunidad, memoria y ternura colectiva.

"Sinahal, Señora de los Partos" permanece por la honestidad de su mirada y por la relevancia cultural de aquello que documenta. En tiempos dominados por la productividad y la velocidad, el filme de Glenny Torres reivindica algo profundamente humano: el cuidado como acto de resistencia y el conocimiento ancestral como patrimonio vivo.

La película se estrenará el próximo 8 de mayo en espacios como la Cineteca Nacional de las Artes, la Cineteca Nacional Chapultepec y salas del circuito independiente como Cine Tonalá.

MariNú

Fotografía: MariNú

Obispo Rojo: cuando la fe deja de obedecer y se convierte en resistencia

 “Obispo Rojo” | Dir. Francesco Taboada Tabone | México | 2024 | 185 mins.

Un obispo que decide ponerse del lado de las personas oprimidas debe enfrentar la persecución de la Iglesia y el poder político para proteger a su comunidad, aun cuando esa lucha lo conduzca a situaciones difíciles, demostrando que la fe verdadera exige compromiso y no obediencia ciega.

Hay películas que incomodan lo suficiente como para obligarnos a repensar el mundo. “Obispo rojo” de Francesco Taboada Tabone, es una de ellas. No es un documental complaciente ni ligero, es una obra densa, provocadora y profundamente política que, desde sus primeros minutos, nos lanza una pregunta incómoda, pero necesaria: ¿qué ocurre cuando la fe deja de obedecer y comienza a resistir?

La película tuvo su premier el pasado 7 de abril en la Sala 10 de la Cineteca Nacional (Xoco), y su estreno comercial este 9 de abril la posiciona como una de las propuestas documentales más relevantes del circuito actual, con presencia tanto en salas comerciales (Cinépolis y Cinemex) como en espacios clave del cine independiente como Cine Tonalá y la propia Cineteca Nacional y de las Artes. No es menor, su distribución, a cargo de Alfhaville Cinema, anticipa una conversación pública que trasciende lo cinematográfico.

Crédito de Fotografía: Maricruz Gómez López

Francesco Taboada Tabone (1973), cineasta morelense con formación en comunicación y estudios mesoamericanos, ha construido a lo largo de su trayectoria una filmografía comprometida con la memoria histórica y las luchas sociales. Desde “Los últimos zapatistas” (2001) hasta “13 pueblos en defensa del agua, el aire y la tierra” (2008), su mirada ha sido consistente: el cine como herramienta de resistencia. En “Obispo rojo”, ese compromiso alcanza una madurez notable. Aquí interviene activamente en la memoria latinoamericana, desenterrando una figura incómoda para las narrativas oficiales: Sergio Méndez Arceo.

El documental, de casi tres horas de duración, reconstruye la vida del obispo de Cuernavaca que, en pleno contexto de la Guerra Fría, decidió romper con la Iglesia tradicional para abrazar la teología de la liberación y alinearse con obreros, campesinos, exiliados y movimientos sociales. A través de una investigación hemerográfica rigurosa, material de archivo inédito y testimonios de figuras como Enrique Dussel, Leonardo Boff, Silvia Marcos y Teresa Forcades, la película no sólo recupera a un personaje silenciado, sino que lo reinstala como un actor clave en la historia social, política y religiosa de América Latina.

Crédito de Fotografía: Maricruz Gómez López

El documental abre con una escena reconstruida que funciona como declaración de intenciones: el momento en que nace el mote “Obispo Rojo”. A su regreso del encuentro Católicos por el socialismo (1973), celebrado en el Chile de Salvador Allende, Sergio Méndez Arceo es recibido en el aeropuerto por un grupo extremista que lo agrede arrojándole tinta roja, en un acto que mezcla violencia simbólica y escarmiento político. La secuencia, cargada de tensión, no sólo marca el origen del apodo impuesto por la prensa derechista, sino que instala desde el inicio el conflicto central: un obispo que ha decidido dejar de ser juez para convertirse en parte. La imagen de su cuerpo manchado de rojo condensa, con potencia visual, la incomodidad que genera una fe que se alinea con las personas pobres y la actitud paciente de Mendez Arceo. Así, la película no tarda en posicionar a su protagonista como una figura disidente, alguien que encarna, desde el primer plano, una consigna urgente y profundamente política: hacen falta obispos del lado de los pobres.

Por otra parte, uno de los mayores aciertos del filme está en su estructura narrativa. Taboada evita la biografía lineal para apostar por bloques temáticos que permiten observar la transformación ética del personaje, de una postura conservadora a una espiritualidad comprometida con las personas oprimidas. El punto de quiebre: cuando un obrero le confronta diciéndole “usted no sabe nada de los pobres”, no sólo humaniza al obispo, sino que condensa el núcleo político del documental: escuchar al otro implica.

Por otra parte, “Obispo rojo” se distancia del documental histórico tradicional y se acerca al contracine. La inclusión de dramatizaciones y una estética que dialoga con el cine setentero rompe con la ilusión de objetividad. Aquí la historia no es un archivo neutro, tal como Mendez afirmó no ser neutral, sino parte; es una construcción ideológica en disputa. Esta decisión no es menor, en un contexto donde las derechas endurecen sus discursos, debatir la forma de narrar el pasado es también una forma de acción política.

Visualmente, la fotografía de Fernanda Robinson logra una integración orgánica entre archivo en blanco y negro y material contemporáneo, generando una temporalidad expandida donde pasado y presente dialogan constantemente. Destaca el acompañamiento musical, que oscila entre lo litúrgico, el mariachi y el jazz, y refuerza esta tensión entre lo institucional y lo popular, entre lo sagrado y lo disidente. El testimonio de Tino Contreras resulta relevante y complementa perfectamente con el uso de “Santo” como leitmotiv. También es particularmente potente el uso del mariachi en la misa, que funciona muy bien para marcar la ruptura simbólica con la solemnidad eclesial tradicional.

Un elemento que merece particular atención es el cartel oficial de la película, diseñado por el estudio mexicano Gran OM, reconocido por su trabajo en gráfica cultural y cinematográfica con fuerte carga simbólica y política, ya que incluye a personajes relevantemente históricos como Lucio Cabañas, Salvador Allende y “El Ché” Guevara y a quienes participan brindando su testimonio como Fray Gabriel Chávez de la Mora. Este colectivo ha construido una identidad visual que dialoga con la tradición del cartel político latinoamericano, por ejemplo, el mexicano de los años sesenta y setenta, donde la imagen no sólo promociona, sino que también toma postura. En el caso de “Obispo rojo”, el cartel apuesta por una estética contundente: el uso del rojo no es casual, funciona como signo ideológico que remite tanto a la acusación histórica hacia Méndez Arceo, como a su vínculo con las luchas sociales. La composición, que privilegia el rostro del obispo en clave casi icónica, lo sitúa entre lo sacro y lo insurgente, tensionando la idea tradicional de autoridad religiosa. Hay en su diseño una economía visual que potencia su impacto: no satura, sino que condensa. Así, el cartel no sólo acompaña a la película, extiende su discurso, convirtiéndose en una pieza que dialoga con la memoria gráfica de la resistencia y que, al igual que el documental, nos recuerda que toda imagen también es un campo de disputa.

Este documental también parece abrir un terreno fértil y problemático. Por un lado, propone una masculinidad disidente: Méndez Arceo no es el patriarca autoritario, sino un sujeto que se deja interpelar, que escucha, que se alinea con las luchas sociales e incluso sostiene posturas progresistas sobre el derecho de las mujeres a decidir sobre su propio cuerpo. Por otro, persiste el riesgo de la narrativa del “gran hombre”, donde las mujeres y las colectividades pueden quedar en segundo plano. No obstante, la inclusión de voces como Sylvia Marcos y Teresa Forcades, por ejemplo, sugiere una tentativa de descentralización del relato, apostando por una construcción coral del pensamiento.

El documental también dialoga con otras obras que han explorado la tensión entre Iglesia, cuerpo y disidencia. La referencia al convento de Ahuacatitlán y su vínculo con prácticas psicoanalíticas del Centro Emaús remite, inevitablemente, al film “Feral" (2021) de Andrés Kaiser y al texto "Pueblo rechazado" de Vicente Leñero, en el que se basa el primero. En dichos casos, lo que emerge es una constante: las instituciones religiosas han reprimido sistemáticamente los intentos de transformación profunda, silenciando de forma violenta a quienes se atrevieron a imaginar otras formas de espiritualidad.

En términos más amplios, “Obispo rojo” parece inscribirse en la tradición del Tercer Cine latinoamericano, particularmente en su vocación de intervenir en la realidad más que representarla pasivamente. Sin embargo, introduce una variación significativa: en lugar de una urgencia revolucionaria inmediata, parece proponer una reconstrucción reflexiva del pasado como herramienta para pensar el presente. Es un cine que incomoda desde la memoria.

Por otro lado, su duración puede resultar exigente para ciertos públicos, y su densidad conceptual demanda una atención activa. Además, la centralidad del obispo plantea preguntas legítimas sobre la representación de otras subjetividades. Pero quizá ahí radica también su potencia: en obligarnos a pensar no sólo en lo que muestra, sino en lo que aún falta por narrar.

“Obispo rojo” no es un documental para ver en piloto automático. Es una experiencia que exige tiempo, atención y disposición crítica; pero sobre todo, es una obra necesaria en un momento donde la memoria histórica es indispensable. Nos recuerda que la fe puede ser también una forma de rebeldía, y que el poder, incluso el más institucionalizado, siempre puede ser fisurado desde dentro.

Salir de la sala después de ver este documental no debería ser un acto pasivo. La invitación es clara y pertinente: cuestionar, investigar y dialogar. Porque si algo deja claro Taboada es que la historia no está escrita sólo de una manera y para siempre, y que el cine, cuando se toma en serio, puede ser una trinchera poderosa y efectiva.

-Maricruz Gómez-

Crédito de Fotografía: Maricruz Gómez López

Estreno en la Ciudad de México: 9 de abril de 2026 en Cineteca Nacional (Xoco), Cineteca de las Artes, Cinépolis, Cinemex y Cine Tonalá.

#CineDocumental #DocumentalMexicano #CineMexicano #CineLatinoamericano #CineIndependiente #CineDeAutor

Historial actualizado de la Guayaba de Oro (2015-2026)

DIEZ NOMINACIONES:

2023 - Women Talking (Ficción, Dirección, Actuación, Elenco, Guion, Vestuario, Montaje, Banda Sonora, Sets y locaciones, Afiche)

NUEVE NOMINACIONES

2025 - Den stygge stesøsteren (Ficción, Dirección, Guion, Actuación, Montaje, Fotografía, Vestuario, Sets y Locaciones, y Afiche)

            O Agente Secreto (Ficción, Dirección, Guion, Actuación, Elenco, Fotografia, Montaje, Vestuario, y Sets y Locaciones)

OCHO NOMINACIONES:

2016 - Carol (Película, Dirección, Actriz x 2, Guion, Vestuario, Banda Sonora y Fotografía)

2017 - 20th Century Women (Película, Elenco, Actriz, Actriz de Reparto, Actor de Reparto, Guion, Banda Sonora, Vestuario)

2018 - Call Me By Your Name (Película, Dirección, Actor, Actor de Reparto, Guion, Fotografía, Banda Sonora y Afiche)

2020 - Never Rarely Sometimes Always (Ficción, Dirección, Actuación (x2), Guion, Fotografía, Montaje y Afiche)

2021 - C'mon C'mon (Ficción, Guion, Dirección, Actuación x2, Elenco y Fotografía). Montaje (2022)

2022 - Aftersun (Ficción, Dirección, Actuación (x2), Guion, Fotografía, Montaje y Afiche)

2025 - Pigen med nålen (Ficción, Dirección, Actuación, Montaje, Fotografía, Vestuario, Sets y locaciones, y Afiche)

SIETE NOMINACIONES

2015 - Birdman (Or the Unexpected Virtue of Ignorance) (Dirección, Guion, Elenco, Actor, Actriz de Reparto, Actor de Reparto y Banda Sonora)

2017 - Manchester by the sea (Película, Dirección, Elenco, Actor, Actriz de Reparto, Actor de Reparto y Guión)

2022 - Everything Everywhere All At Once (Actuación, Fotografía, Montaje, Elenco, Afiche, Vestuario y Sets/locaciones)

2023 - Kuolleet lehdet (Ficción, Dirección, Elenco, Vestuario, Fotografía, Montaje, Sets y locaciones)

2024 - All of Us Strangers (Ficción, Actuación -Claire Foy-, Elenco, Fotografía, Vestuario, Banda Sonora, Afiche)

           Civil War (Ficción, Dirección, Actuación -Kirsten Dunst-, Guion, Montaje y Fotografía)

SEIS NOMINACIONES

2015 - Mad Max: Fury Road (Película, Dirección, Elenco, Fotografía, Vestuario y Banda Sonora)

           Kis Uykusu / Sueño de Invierno (Película, Dirección, Elenco, Actor, Actriz de Reparto y Guion)

2017 - Dunkirk (Película, Dirección, Actor, Fotografía, Banda Sonora y Edición)

2018 - Ahlat Agaci (Película, Dirección, Elenco, Actriz de Reparto, Actor de Reparto y Guión)

2019 - Dolor y Gloria (Dirección, Actriz de Reparto, Guion y Fotografía. 2020: Actuación y Vestuario)

            Ya no estoy aquí (Ficción, Dirección y Actor. 2020: Vestuario, Banda Sonora, y Sets y Locaciones)

2021 - Sound of Metal (Ficción, Guion, Actuación, Banda Sonora, Afiche y Edición)

           First Cow (Ficción, Guion, Dirección, Banda Sonora, Vestuario y Afiche)

2022 - Elvis (Dirección, Actuación, Montaje, Fotografía, Vestuario y Sets/Locaciones)

           Große Freiheit (Ficción, Dirección, Actuación, Guion, Montaje y Fotografía)

           Licorice Pizza (Ficción, Elenco, Vestuario, Fotografía, Banda Sonora y Sets y locaciones)

2023 - Huesera (Ficción, Dirección, Actuación, Guion, Afiche y Sets y locaciones)

2024 - Rotting in the Sun (Ficción, Dirección, Guion, Montaje, Banda Sonora y Afiche)

           The Substance (Ficción, Dirección, Actuación -Demi Moore-, Guion, Fotografía y Sets y                                Locaciones)

2025 - Frankenstein (Ficción, Dirección, Actuación, Vestuario, Fotografía, y Sets y Locaciones)

           The Mastermind (Ficción, Dirección, Guion, Actuación, Banda Sonora y Fotografía)

           Memory (Ficción, Dirección, Guion, Elenco, Montaje, y Afiche)

           Autos, Mota y Rocanrol (Elenco, Guion, Montaje, Vestuario, Afiche, y Sets y Locaciones)

CINCO NOMINACIONES

2017 - Certain Women (Dirección, Elenco, Actriz, Actriz de Reparto y Fotografía)

2018 - Roma (Película, Actriz, Guión, Fotografía y Edición)

           Zimna Wojna (Dirección, Actriz, Fotografía, Vestuario y Edición)

2019 - The Lighthouse (Actor, Elenco, Fotografía, Banda Sonora y Montaje)

           Once Upon a Time in Hollywood (Actriz de Reparto, Actor de Reparto, Elenco, Montaje y Afiche)

           Pájaros de verano (Ficción, Guion, Fotografía, Vestuario y Afiche)

2020 - Ema (Ficcion, Dirección, Banda Sonora, Vestuario y Fotografía)

           Yermo (Documental, Dirección, Fotografía, Montaje y Sets y locaciones)

2021 - Noche de fuego (Ficción, Dirección, Fotografía, Elenco y Actuación)

2023 - Anatomie d'une chute (Ficción, Dirección, Actuación, Guion y Elenco)

2024 - Taboo: Amos Guttman (Documental, Dirección, Fotografía, Montaje y Banda Sonora)

           El Eco (Documental, Dirección, Elenco, Fotografía y Afiche)

           Poor Things (Actuación -Emma Stone-, Vestuario, Afiche, Sets y locaciones, y Banda Sonora)

2025 - One Battle After Another (Actuación, Elenco, Montaje, Banda Sonora, Elenco, Vestuario, y Sets y                             Locaciones)

CUATRO NOMINACIONES

2016 - Saul fia / Hijo de Saúl (Película, Dirección, Actor y Edición)

2018 - First Reformed (Película, Actor, Actriz de Reparto y Guion)

           Phantom Thread (Dirección, Actriz de Reparto, Banda Sonora y Vestuario)

2020 - J'ai perdu mon corps (Ficción, Guion, Banda Sonora y Montaje)

           Silvia (Documental, Dirección, Guion y Montaje)

           Sin señas particulares (Ficción, Dirección, Guion y Sets y locaciones)

2022 -  Argentina, 1985 (Ficción, Elenco, Guion y Vestuario)

2023 - To Leslie (Actuación, Guion, Fotografía y Afiche)

           Barbie (Elenco, Vestuario, Fotografía y Sets y locaciones)

           Una jauría llamada Ernesto (Documental, Dirección, Fotografía y Montaje)

           Kambia nymfi petalouda (Ficción, Vestuario, Fotografía y Sets y locaciones)

           Killers of the Flower Moon (Vestuario, Fotografía, Banda Sonora, y Sets y locaciones)

2024 - Kada je zazvonio telefon / When the Phone Rang (Ficción, Dirección, Montaje y Afiche)

2025 - Yek tasadof-e sadeh (Ficción, Dirección, Guion y Elenco)

           Affeksjonsverdi (Ficción, Actuación, Elenco y Guion)

           L'Histoire de Soulemayne (Ficción, Actuación, Montaje y Afiche)

           Wolf Man (Ficción, Banda Sonora, Sets y Locaciones, y Afiche)

TRES NOMINACIONES

2015 - Inside Out (Película, Guion y Banda Sonora)

2016 - Il Solengo (Película, Fotografía y Banda Sonora)

           Little Men (Película, Elenco y Actriz de Reparto)

           The Witch (Dirección, Banda Sonora y Edición)

2018 - The Killing of a Sacred Deer (Elenco, Actriz de Reparto y Afiche)

           Nelyubov (Elenco, Fotografía y Banda Sonora)

2019 - Vendrá la muerte y tendrá tus ojos (Actriz x 2 y Afiche)

2020 - Érase una vez en Venezuela (Documental, Dirección y Montaje)

           Mascarados (Montaje, Banda Sonora y Sets y locaciones)

           Waves (Banda Sonora, Fotografía y Sets y locaciones)

           Whitney (Documental, Fotografía y Afiche)

           Bombshell (Elenco, Actuación y Vestuario)

2021 - Visión Nocturna (Documental, Dirección y Edición)

           Akelarre (Afiche, Banda Sonora y Vestuario)

           Annette (Fotografía, Vestuario y Banda Sonora)

2022 - Jia ting lu xiang (Documental, Dirección y Montaje)

           Gûzen to sôzô (Ficción, Elenco y Afiche)

           She Will (Guion, Afiche y Sets/Locaciones)

2023 - Traer la voz (Documental, Dirección y Montaje)

           Animal (Actuación, Elenco y Afiche)

           Temas propios (Guion, Fotografía y Banda Sonora)

           Tár (Dirección, Actuación y Fotografía)

2024 - Maria (Vestuario y Fotografía)

           The Outrun (Actuación, Vestuario y Banda Sonora)

           Perfect Days (Ficción, Actuación -Kōji Yakusho- y Guion)

           Queer (Montaje, Vestuario y Sets y locaciones)       

           Zone of Interest (Ficción, Dirección y Sets y locaciones)

2025 - Tratado de Invisibilidad (Documental, Dirección y Montaje)

           No Nos Moverán (Elenco, Fotografía y Afiche)

DOS NOMINACIONES

2015 - Clouds of Sils Maria (Actriz y Actriz de Reparto)

2016 - Steve Jobs (Elenco y Actor)

           Desde allá (Actor de Reparto y Edición)

           Nocturnal Animals (Actor de Reparto x 2)

           Cómo funcionan casi todas las cosas (Actriz de Reparto y Guion)

          The Danish Girl (Fotografía y Vestuario)

2017 - Sieranevada (Película y Guion)

           Zama (Fotografía y Edición)

2018 - Trilogía del Lago Helado (Ficción y Edición)

           El Silencio es un cuerpo que Cae (Documental y Edición)

           Mi Obra Maestra (Elenco y Afiche)

           Bohemian Rhapsody (Actor y Banda Sonora)

2019 - La Camarista (Dirección y Actriz)

           Girl (Actor y Actor de Reparto)

           Gisaengchung (Elenco y Montaje)

           Jiang hu er nü (Vestuario y Afiche)

           Manbiki Kazoku (Ficción y Elenco)

           Mid90s (Actriz de Reparto y Fotografía)

           Suspiria (Banda Sonora y Vestuario)

           Where'd you go, Bernadette? (Actriz y Actriz de Reparto)

           Yesterday (Guion y Banda Sonora)

           Viaje al cuarto de una madre (Dirección. 2020: Actuación -Lola Dueñas-)

2020 - Atlantique (Ficción y Guion)

           El Ángel (Vestuario y Banda Sonora)

           Honeyland (Sets y locaciones favoritas, y fotografía)

           Los sonámbulos (Actuación -Érica Rivas- y Elenco)

           The King of Staten Island (Actuación -Tomei- y Banda Sonora)

2021 - Madres paralelas (Ficción y Fotografía)

2022 - Alis (Documental y Elenco)

           Camuflaje (Guion y Afiche)

           Barrio modelo (Documental y Fotografía)

           Home is somewhere else (Documental y Montaje)

           Luminum (Guion y Fotografía)

           My love affair with marriage (Ficción y Dirección)

           Monte Tropic (Dirección. 2023: Documental)

2023 - Holy Spider (Ficción y Sets y locaciones)

           Talk to me (Ficción y Guion)

           Past Lives (Ficción y Guion)

           Heroico (Actuación y Elenco)

           Pola Weiss Documental (Documental y Montaje)

           Heojil kyolshim (Dirección y Montaje)

          Fire of Love (Documental y Montaje)

          Tótem (Montaje y Afiche)

          El Conde (Fotografía y Afiche) 

          Brujería (Vestuario y Sets y locaciones)

          Passages (Elenco y Sets y locaciones)

2024 - Alumbramiento (Elenco y Vestuario)

           Blink Twice (Guion y Sets y locaciones)

           Contigo, Contigo y sin mí (Documental y Montaje)

           Vinci: Cuerpo a Cuerpo (Documental y Direccion)

           La Terminal (Documental y Fotografía)

           Puán (Ficción y Elenco)

           Lahn Mah (Guion y Fotografía)

           Robot Dreams (Ficción y Afiche)

2025 - Warfare (Ficción y Elenco)

            Banda Sonora para un golpe de estado (Documental y Montaje)

            Queer (Dirección y Actuación)

            Babygirl (Actuación y Afiche)

UNA NOMINACIÓN

2015 - Deux Jours, Une Nuit / Dos Noches, Un Día (Actriz)

           Bridge of Spies (Actor de Reparto)

           Still Alice (Actriz)

           La Jaula de Oro (Fotografía)

           The Martian (Actor)

           Timbuktu (Vestuario)

           Cinderella (Vestuario)

           Leviathan (Fotografía)

           Star Wars: The Force Awakens (Banda Sonora)

           Whiplash (Actor de Reparto)

2016 - Grandma (Actriz)

           La Loi du Marché / La Medida de un Hombre (Actor)

           Anomalisa (Actriz de Reparto)

           Dheepan (Elenco)

           Chronic (Guión)

           Truman (Guión)

           Julieta (Vestuario)

2017 - Un beau soleil interieur / Un Bello Sol Interior (Actriz)

           El Amparo (Actor)

           Logan (Actor de Reparto)

           I, Daniel Blake (Actriz de Reparto)

           Baby Driver (Edición)

           Jackie (Vestuario)

           A Quiet Passion (Vestuario)

           Person to Person (Banda Sonora)

           La La Land (Edición)

2018 - Dead Souls (Documental)

           Visages Villages (Documental)

           Teatro de Guerra (Documental)

           Hereditary (Actriz)

           The Tale (Actriz)

           120 battements par minut (Actor)

           Dogman (Actor)

           Beoning (Actor de Reparto)

           Three Billboards Outisde Ebbing, Missouri (Actor de Reparto)

           The Florida Project (Actor de Reparto)

           Lady Bird (Actriz de Reparto)

           Estiú 1993 (Vestuario)

           Serce milosci (Vestuario)

           L'Incertitude des Confins (Edición)

           You Were Never Really Here (Banda Sonora)

           Le Livre d'Image (Edición)

           Adiós, Entusiasmo (Afiche)

           Gräns (Afiche)

2019 - Adiós, entusiasmo (Guion)

           Arábia (Ficción)

           Carelia: Internacional con Monumento (Documental)

           Construcciones (Documental)

           Cría puercos (Actriz)

           El cuento de las comadrejas (Actor de Reparto)

           Fotoestudio Luisita (Banda Sonora)

           Le Grand Bain (Elenco)

           The Irishman (Dirección)

           Love, Antosha (Documental)

           Marriage Story (Actriz de Reparto)

           Ne croyez sur tout par que je hurle (Documental)

           Toy Story 4 (Banda Sonora)

2020 - El Guardián de la Memoria (Montaje)

           El príncipe (Elenco)

           I'm thinking of ending things (Elenco)        

           The Third Wife (Afiche)

           Talking about trees (Afiche)

           Un Rubio (Actuación)

           Ficción Privada (Documental)

           Adiós a la memoria (Documental)

2021 - Yo y las bestias (Afiche)

            Aurora (Montaje)

            Taming the tree (Sets y locaciones)

            Usuarios (Montaje)

            Chico ventana también quisiera tener un submarino (Sets y locaciones)

            Los Lobos (Afiche)

2022 - Good Luck to You, Leo Grande (Actuación)

           Nudo Mixteco (Elenco)

           O heiropalaistis (Documental)

           Petit Mal (Elenco)

           Sirens (Documental)

2023 - Have you got it yet? The story of Syd Barrett and Pink Floyd (Documental)

           La Montaña (Documental)

           Navalny (Documental)

           Dalva (Actuación)

           Priscilla (Vestuario)

           Extraña forma de vida (Fotografía)

           Amores incompletos (Ficción)

           El suplente (Actuación)

           The Whale (Actuación)

           Till (Actuación)

           Oppenheimer (Elenco)

           May December (Elenco)

           Beau is Afraid (Montaje)

           The Holdovers (Montaje)

           El Legado (Documental)

           The Son (Actuación)

           Hambre (Actuación)

           Jezabel (Actuación)

           Upon Entry (Guion)

           Are You There, God? It's Me, Margaret (Guion)

           Monstruo (Guion)

2024 - Anora (Elenco)

           Los domingos mueren más personas (Actuación: Rita Cortese)

           Favoriten (Elenco)

           La Guardia Blanca (Afiche)

           Maxxine (Actuación: Mia Goth)

           Sebastian (Guion)

           Silence of Reason (Documental)

           Woman of the Hour (Actuación: Daniel Zovatto)

2025 - No soy Todo lo que quiero ser (Documental)

           Dahomey (Documental)

           3000 Km en bicicleta (Documental)

           Eddington (Actuación)

           Sorry, Baby (Guion)

           Nickel Boys (Fotografia)

           Sirāt (Montaje)

           In die Sonne schauen (Fotografía)

           Bugonia (Afiche)

           Jay Kelly (Afiche)

            Un poeta (Montaje)

Cantidad de premios por película:

OCHO PREMIOS

2021 - C'mon C'mon (Ficción, Guion, Actuaciones x2, Fotografía y Banda Sonora). 2022: Montaje y                 Afiche.

SIETE PREMIOS

2020 - Never Rarely Sometimes Always (Ficción, Dirección, Actuaciones x2, Guion, Fotografía y Montaje)

CINCO PREMIOS

2016 - Carol (Película, Dirección, Actriz para Cate Blanchett, Fotografía y Banda Sonora)

2017 - 20th Century Women (Elenco, Actriz, Actriz de Reparto, Guion y Banda Sonora)

2022 - Aftersun (Ficción, Fotografía, Montaje y Banda Sonora). 2023: Afiche.

2023 - Women Talking (Ficción, Dirección, Guion, Elenco y Banda Sonora)

CUATRO PREMIOS

2015 - Birdman (Dirección, Guion, Elenco y Actriz de Reparto)

2022 - Everything Everywhere All At Once (Elenco, Vestuario, Fotografía, y Sets y locaciones)

2023 - Huesera (Ficción, Dirección, Sets y Locaciones, y Afiche)

TRES PREMIOS

2015 - Mad Max: Fury Road (Dirección, Vestuario y Banda Sonora)

2018 - Ahlat Agaci (Ficción, Elenco y Guion)

           Zimna Wojna (Dirección, Fotografía y Vestuario)

           The Killing of a Sacred Deer (Actriz de Reparto, Elenco y Afiche)

2019 - Dolor y Gloria (Dirección, Guion y Actriz de Reparto)

            Once Upon a Time in Hollywood (Actor de Reparto, Montaje y Afiche)

2022 - Elvis (Dirección, Vestuario y Sets/locaciones)

           Jia ting lu xiang (Documental, Dirección y Montaje)

2023 - Traer la voz (Documental, Dirección y Montaje)

            Barbie (Vestuario, Fotografía y Sets y Locaciones)

            Κάμπια νύμφη πεταλούδα/Embryo Larva Butterfly (Vestuario, Fotografía, y Sets y Locaciones)

DOS PREMIOS

2015 - Kys Uykusu / Sueño de Invierno (Película y Actor)

2016 - Saul fia / Hijo de Saúl (Actor y Edición)

           Little Men (Elenco y Actriz de Reparto)

2017 - Manchester by the sea (Actor y Actor de Reparto)

           Certain Women (Dirección y Fotografía)

2018 - Roma (Actriz y Edición)

2019 - Vendrá la Muerte y Tendrá tus Ojos (Actriz x 2)

            Suspiria (Banda Sonora y Vestuario)

2021 - Noche de fuego (Elenco y actuación)

           Visión nocturna (Documental y dirección)

2022 - Camuflaje (Guion y Afiche)

           Licorice Pizza (Vestuario y Sets/decorados)

2023 - Temas Propios (Guion y Banda Sonora)

2024 - Rotting in the Sun (Ficción y Afiche)

            La Terminal (Documental y Fotografía)

            Taboo: Amos Guttman (Dirección y Banda Sonora)

UN PREMIO

2015 - Still Alice (Actriz)

           Whiplash (Actor de Reparto)

           Timbuktu (Vestuario)

2016 - Desde allá (Actor de Reparto)

           Anomalisa (Actriz de Reparto)

           Cómo funcionan casi todas las cosas (Guión)

           Julieta (Vestuario)

2017 - Sieranevada (Película)

           Dunkirk (Fotografía)

           Jackie (Vestuario)

           Baby Driver (Edición)

2018 - Visages, Villages (Documental)

           Widows (Actriz)

           Dogman (Actor)

           Call Me By Your Name (Actor de Reparto)

           Phantom Thread (Banda Sonora)

2019 - Arábia (Ficción)

           Carelia: Internacional con Monumento (Documental)

           Ne croyez sur tout par que je hurle (Documental)

           Manbiki Kazoku (Elenco)

           Girl (Actor)

           The Lighthouse (Fotografía)

2020 - Ema (Banda Sonora)

           Ficción Privada (Documental)

           Honeyland (Fotografía)

           Los sonámbulos (Elenco)

           Silvia (Montaje)

           Sin señas particulares (Sets y locaciones)

           Un Rubio (Actuación -Gastón Re-)

           Ya no estoy aquí (Vestuario)

2021 - First Cow (Vestuario)

           Sound of Metal (Banda Sonora)

           Cosas imposibles (Sets y locaciones)

           Spencer (Sets y locaciones)

           Les sorciéres de l'Orient (Montaje)

           Yo y las bestias (Afiche)

2022 - Good Luck yo You, Leo Grande (Actuación - Emma Thompson)

           Home is somewhere else (Documental)

           My love affair with marriage (Ficción)

           Petit Mal (Elenco)

2023 - Una Jauría Llamada Ernesto (Documental)

           Have you got it yet? The story of Syd Barrett and Pink Floyd (Documental)

           Navalny (Documental)

           Beau is Afraid (Montaje)

           Heojil kyolshim (Montaje)

           To Leslie (Actuación - Andrea Riseborough)

           El Suplente (Actuación - Juan Minujín)

           The Son (Actuación - Laura Dern)

           Priscilla (Vestuario)

           El Conde (Fotografía)

           Tár (Fotografía)

           May December (Elenco)

           Kuolleet lehdet (Sets y Locaciones)

           They Cloned Tyrone (Afiche)

2024 - Puán (Elenco)

           Kada je zazvonio telefon (Montaje)

           Sebastian (Guion)

           Lahn Mah (Sets y Locaciones)

           All Of Us Strangers (Elenco)

           Maria (Vestuario)

           Los domingos mueren más personas (Actuación)

DATOS CURIOSOS

Tres producciones asiáticas y ocho coproducciones latinoamericanas fueron nominadas en la quinta edición. Un hito en el quinquenio que cumplió el reconocimiento ese año.

Traer la voz es el primer documental en recibir tres triunfos. Visión Nocturna había recibido dos. Taboo: Amos Guttman triunfó en cinco renglones en 2025.

Cinco actrices han logrado tener más de una nominación a la Guayaba de Oro. Ellas son Juliette Binoche y Michelle Williams, con dos nominaciones cada una, y Laura Dern, Nicole Kidman y Cate Blanchett, con tres. Michelle lo logró en un solo año. De ellas, solo Cate y Nicole han ganado.

De las doce actrices destacadas por la Guayaba, tres nacieron en Chile: Paulina García, Amparo Noguera y Julieta Figueroa.

Willem Dafoe es el único actor nominado más de una vez. No ganó todavía.

Mikhail Krichman (montaje), Louise Ford (montaje), Jonny Greenwood (banda sonora), Mark Korven (banda sonora) y María Secco (fotografía) han recibido ya dos nominaciones cada uno. Greenwood lo logró en una sola edición y obtuvo el reconocimiento al final. Ambas nominaciones de Louise y Mark fueron por películas de Robert Eggers.

Alfonso Cuarón y Everardo González también lograron dos nominaciones en una sola edición. Everardo como director y director de fotografía. Las de Alfonso fueron como montajista y director de fotografía.

Eliza Hittman es la primera realizadora en ganar Dirección y Guion en un solo año.

Con la doble nominación a las actrices de Vendrá la Muerte y Tendrá tus Ojos, ya son dos las veces que un dúo protagónico de una misma película es nominado en Mejor Actriz. En esta ocasión, ambas triunfaron. La primera vez fue con las principales de Carol.

Nuri Bilge Ceylan es el primero en recibir dos nominaciones en la categoría de Dirección. La primera en 2015 por Kis uykusu y la segunda, por Ahlat Agaci, en 2018. Todavía no ha ganado. Él y Reichardt han recibido tres nominaciones en este renglón, ella ganó en 2017 por Certain Women.

Emma Thompson, con 63 años, se convierte en la actriz más veterana en ganar el premio. Annette Bening, con 59 años, pasa a ser la segunda. Talia Ryder y Sidney Flanigan son las más jóvenes en ganarlo: 19 y 20 cuando lo recibieron.

Haluk Bilginer es el actor más veterano en recibir la Guayaba: tenía 61 cuando ganó por "Sueño de invierno" en 2016. Por su parte, Woody Norman es el más joven, con apenas 11 años cuando fue reconocido en 2022. Le siguen Víctor Polster (18), Lucas Hedges (21) y Luis Silva (22).

Doscientas (200) películas han sido nominadas para la Guayaba de Oro. Un total de sesentisiete (67) filmes han recibido, por lo menos, una Guayaba de Oro en los nueve años que lleva el premio.

Las tres primeras ganadoras en la categoría de Mejor Vestuario fueron la única nominación para cada una de las películas.

Los primeros tres ganadores en Mejor Banda Sonora fueron filmes nominados a Mejor Película.

20th Century Women es el primer filme en ganar Mejor Elenco y otras dos de actuación, además de una tercera nominación actoral. C'mon C'mon también lo hizo. Ambas dirigidas y escritas por Mike Mills. Birdman logró en 2015 ser nominada en tres renglones de actuación, además de la categoría grupal, sólo ganó ésta y Actriz de Reparto.

Everything Everywhere All At Once es la primera obra en recibir siete nominaciones sin estar presente en Ficción ni Dirección.

Dheepan, Mi Obra Maestra, Nelyubov, Mad Max: Fury Road, I'm thinking of ending things, El príncipe y Le Grand Bain son las siete películas en haber recibido una nominación para el elenco, sin que hayan sido destacados uno o varios de sus actores o actrices en otra categoría.

En diez ediciones, Carol, Never Rarely Sometimes Always, Visión Nocturna, Jia ting lu xiang y Women Talking son los filmes que han ganado Película y Dirección.

Carolina Moscoso fue la primera documentalista en ganar Dirección.

Sólo una película logró la dupla Ficción/Dirección en 2019-2020 al momento de ser nominada: Ya no estoy aquí. Las direcciones de Celia Rico Clavellino y Martin Scorsese fueron las únicas nominaciones para sus películas.

En 2020-2021 cuatro documentales recibieron más de dos nominaciones. Ellos fueron Yermo, con cinco; Silvia, con cuatro; y Érase una vez en Venezuela y Whitney, con tres. Todos ganaron en alguna categoría. De ellos, ninguno triunfó como Documental Favorito.

En 2022, Les sorciéres de l'Orient ganó como favorita en Montaje. Es el segundo documental en lograrlo. El primero fue Silvia el año anterior.

Desde la sexta edición las categorías de actuaciones individuales se combinaron en una sola. En ella pueden ser nominados protagonistas y papeles de reparto, y habrá un mínimo de dos ganadores sin considerarse empate.

La quinta edición añadió una fase previa al proceso: una lista de películas elegibles. Resultaron 63, pero esto no impidió que en el arbitraje The Irishman y Le Grand Bain fuesen escogidas como nominadas en vista de su calidad olvidada al principio.

A partir de la octava edición, el proceso de votación ha sido simplificado. Cada participante envía su lista de sus películas favoritas rankeadas de acuerdo a los doce renglones del reconocimiento. Cada una de sus primeras opciones será tomada como ganadora; las opciones restantes, nominadas. Esto fue acordado para que la percepción estética esté menos supeditada a un cálculo numérico como se hizo en las siete ediciones previas.

Huesera (2022). La maternidad será deseada o no será…

 

Por: Maricruz Gómez

Huesera (México - Perú, 2022), ópera prima de Michelle Garza Cervera (CCC), inicia con una pantalla en negro y el sonido de cohetes, campanas, canto de aves, de algo que se arrastra y el pujido de una mujer. Después vemos las piernas de alguien que sube una escalinata de rodillas con un cojín bajo éstas, mientras escuchamos, en una voz femenina, el Padre nuestro y miramos la espalda de Valeria (Natalia Solián), para después escuchar el cántico de La Guadalupana, mientras que entre las copas de los árboles se devela el rostro dorado de la “Morenita del Tepeyac” y entre sus palmas brilla el sol. Las voces continúan y vemos el rostro de la protagonista con un gesto entre la desaprobación y el esfuerzo de subir la inmensa escalinata que la llevará a los pies de la monumental Virgen de Guadalupe de 33 metros de altura, ubicada en Ocuilan, muy cerca del centro de peregrinaje en el poblado de Chalma, en el Estado de México. Escuchamos el hipnótico cántico al mismo tiempo que la toma se abre provocando el vértigo de quien mira, para mostrarnos la inmensidad de dicha figura que es símbolo del amor maternal.

El tema central de este film de horror psicológico es la maternidad como precepto impuesto de tal modo que parece un deseo y una decisión propia, autónoma y un “instinto natural”. Al mismo tiempo es planteada como una situación que limita, anula y significa pérdidas y renuncias. Por esto, la película nos lleva a reflexionar: ¿todas las decisiones que tomamos las mujeres sobre nuestras vidas y cuerpos son en realidad producto de nuestra agencia?, ¿es la maternidad un acto voluntario en un contexto cultural cuyo mandato es ser madre como la única vía de realización posible para las mujeres?, ¿cuáles son las pérdidas que implica para Valeria su maternidad?

El film cuenta de manera lineal, con un flash back, desde que Valeria, acude a pedir el milagro de la maternidad en compañía de su madre Maricarmen (Aída López) y su tía Isabel (Mercedes Hernández); hasta el momento que debe tomar una decisión sobre el rumbo de su vida. También narra el proceso de su embarazo, durante el cual se hacen evidentes las renuncias que debe aceptar debido a su condición y le ponen de frente aquello que ha tenido que ocultar de sí misma para tener esa vida idealizada y lograr la aprobación de otros. 

Así, a manera de contraste, vemos correr a la Valeria adolescente mientras grita al ritmo de una canción de PUNK rock: “No me gusta la domesticación…”, y después, a la protagonista adulta embarazada, en un rincón del cuarto que antes fue su taller,  símbolo de su independencia, y que ahora será el de su bebé, meciéndose en una silla con cierta tristeza en el rostro.

El embarazo de Valeria, en un primer momento, parece un deseo y decisión autónoma, pues ella y su esposo Raúl (Alfonso Dosal) se muestran felices cuando se enteran, pero no pasará mucho tiempo para que, mientras hace los preparativos para recibir a su hijo o hija, ella comience a sentirse angustiada y agobiada al notar que aún antes de nacer su hijo (a), ha comenzado a limitar su campo de acción y a bloquear aquello que ella disfrutaba y le brindaba seguridad e independencia económica.

El tema de la película deriva, de acuerdo con la directora, de su luto ante la pérdida de su madre y la reflexión sobre las maternidades en su familia, en especial del hecho de que una de sus abuelas tomó la misma decisión que Valeria. También de su experiencia ante el libro Mujeres que corren con lobos de Clarissa Pinkola y particularmente del relato “La Huesera” que trata de una mujer que recolecta huesos de animales que habitaron en el desierto y que para Garza también habla de los procesos difíciles y dolorosos que no quieres ver contigo misma y que te causan temor, de ahí que la realizadora retomó la idea para el título.

Se ha especulado sobre si Huesera es una película con una postura feminista, lo cual es difícil de determinar; sin embargo, la perspectiva crítica sobre la maternidad, la conformación de su crew, predominantemente compuesto por mujeres, y el guion escrito en colaboración con la también novelista Abia Castillo (CCC - Sogem), quien es autora de la novela No me cerrarán los labios: Una novela sobre Hermila Galindo, feminista y revolucionaria (Penguin, 2021), marca claramente la posición política de Garza.

En esta obra predominan las referencias a representaciones de la maternidad en nuestra cultura, por ejemplo, la madre abnegada (Virgen de Guadalupe), la madre castrante o como lo menciona la curandera Úrsula (Martha Claudia Moreno), la araña que es madre y depredadora a la vez, cuya referencia en forma de telaraña también es recurrente, lo que revela el detalle en la elección de las locaciones (redes, rejas y tejidos) y las imágenes como el puente por el que camina Valeria, las sillas que ella misma elabora o el diseño de la cobija que teje para el bebé que espera.

Este símbolo también se muestra en la escena de La Llorona (México, 1960, René Cardona), que Valeria mira junto a sus sobrinos, en alusión a la figura de esta leyenda tradicional de la mujer que siendo madre antepone sus emociones y pasiones al supuesto instinto maternal, que debería estar presente en todas las mujeres, sólo por el hecho de ser seres con corporalidades capaces de gestar. En ese sentido, también aparecen las plantas llamadas mala madre que cuelgan en el departamento de Valeria y Raúl y que aluden a la opinión que su familia tiene sobre Valeria y su (in) capacidad de maternar y cuidar de otros, por ejemplo, el hijo de la vecina y sus propios sobrinos.

Otra referencia es el tradicional festejo del 10 de mayo, al que Valeria se dirige para celebrar a su madre sin un regalo y en el que también es felicitada por su actual condición. También aparece la madre soltera o “luchona”, esa que se mal mira a nivel social y en ocasiones es ridiculizada, aquella que por muchos años se le ha señalado como la causante de los males de la sociedad, sin reparar que el padre abandonador también está implicado. Así vemos como Vero (Sonia Couoh) es una madre que se encuentra a cargo de su hijo e hija y que siente limitado su campo de acción, pues no puede ir a una fiesta porque debe cuidar a sus hijos, también porque, como le reprocha Valeria, vive al amparo de sus padres.

Para la decoración de la habitación de su futuro/a hijo/a, Valeria elige los colores amarillo y verde, que en principio pueden considerarse neutros en relación con el género del bebé, pues inicialmente desconoce si nacerá un niño o niña, por lo que el amarillo se puede interpretar como luz y felicidad y el verde como esperanza y nueva vida. Sin embargo, son los colores del manto de la Virgen de Guadalupe, referencia que aparece continuamente y casi al final nos anticipa la decisión que toma la protagonista, cuando una Valeria, a manera de doble, porta la cobija-manto de su bebé, misma que le menciona la curandera, es lo que la mantendrá unida a su hijo (a).

Michelle Garza nos plantea que la “feliz espera”, puede no ser así para todas las mujeres, como se supone a nivel social; y que, por el contrario, para algunas es una pesadilla, una situación que les provocar sufrimiento y miedo; incluso afecta la salud mental de las mujeres y desencadena procesos de angustia, psicosis puerperal y depresión posparto.

Lo que detona el malestar en Valeria ocurre cuando se encuentra desmontando su taller, ese cuarto propio del que escribió Virginia Woolf, y se asusta al ver una araña; para quien mira el film es el momento en el que ella comienza a darse cuenta de las renuncias que implica el embarazo y ser madre, por ejemplo, cambiar sus hábitos, hacer a un lado lo que le gusta y renunciar a esa habitación que representa independencia económica y realización personal y profesional.

De este modo, su departamento se irá convirtiendo en una cárcel y el bebé será más importante que ella y sus necesidades, al grado que su esposo Raúl considera la posibilidad de confinarla en un psiquiátrico para preservar la vida del bebé. Al respecto, la psicóloga Juana Armanda Alegría explicó en su libro "Psicología de las mexicanas" (Samo, 1974), que se cree que en nuestra cultura mexicana la figura máxima hacia la que se profesa amor y respeto es la madre, pero ella en su (ab) negación no hace otra cosa que colocarse en último lugar ante el resto de los integrantes de la familia, por lo que termina siendo anulada por otros y autoanulándose. ¿Será esto lo que tanto aterroriza a Valeria?, dejar de ser y existir para ella y para otros, pues en la escena en la que después del parto, mientras la vemos cansada y agobiada, Raúl sostiene a su hija feliz, evidenciando que ella al parir ha dejado de ser el centro de atención de él y del resto de las personas.

Es a partir de la escena en la que Valeria mira desde su balcón a una mujer con el rostro borrado, y que hace movimientos en los que podemos escuchar el chasquido de sus huesos, que ella comienza a sentir que está en peligro, pues queda asustada e impresionada cuando ve que dicha mujer salta de su balcón, como una forma de escape, y se rompe los huesos de las piernas, representación simbólica de que la protagonista cae en cuenta que su vida cambiará y que su andar será difícil y doloroso, tanto que ir hacia sus metas le será casi imposible; de la situación no hay salida sino es sufriendo daño y dolor.

Para Norma, suegra de Valeria, la “locura” de la protagonista es normal, porque cuando las mujeres se convierten en madres sienten que se están partiendo en dos, referencia al doble malvado que se ha comenzado a revelar sin rostro; y que en el parto las mujeres sienten que se les parten los huesos, por lo que es común sentirse aterradas; sin embargo, no se habla de ello porque ante todo, vale pena ser madre. En contraste, Norma le desea a su hijo Raúl que se rompa la pata, como una forma de desearle buena suerte en su trabajo; así mientras que para una romperse las piernas dificulta el avance, para otro, es que todo irá bien.

La figura de la mujer rota también remite al relato de Simone de Beauvoir, en el que Monique la protagonista, vive con dolor que no se le valore como esposa y madre, y que todo lo que ha hecho por las otras personas y su entrega, la han dejado vacía para sí misma y aunque tiene la necesidad de ser auténtica, la presión social no se lo permite. En resumen, dicho texto señala las condiciones que han llevado a las mujeres a vivir sometidas en un mundo que espera de ellas actitudes y comportamientos considerados ideales, pero que no les permiten ser ellas mismas, ¿será por ello que la doble de Valeria ha perdido su identidad y su rostro se encuentra borrado?

Así, otra norma impuesta es la heterosexualidad, necesaria para ser madre, después de un flash back hacia la adolescencia de Valeria conocemos esa parte de su vida que ha preferido ocultar y olvidar, pero que justo el día de las madres se le aparece en la calle, Octavia, antigua amiga y amante; después de ver a una mujer sin rostro atrapada en un balcón. A partir de su reaparición Valeria se cuestionará si debe seguir con la vida ideal que se ha procurado o ir detrás de lo que en realidad desea.

Garza no sólo se encarga de denunciar la presión social de la que las mujeres somos objeto en una edad en las que se nos considera “reproductivas” y en la que suelen sugerirnos que seamos madres para que no se nos “pase el tren”. También muestra la violencia obstétrica que vive Valeria cuando la enfermera le muestra la aguja con la que va a suturar su cuerpo roto debido al parto, mientras le dice: "Sólo van a ser unas puntaditas…”

Es difícil dejar pasar la referencia a El bebé de Rosemary (Roman Polanski, EEUU, 1968), en la que la protagonista también se vive en riesgo de muerte y pérdida, por su condición gestante. En esta también vivimos con ella la angustia de ver aquello con lo que está conviviendo con ella cotidianamente y que representa un peligro. Tanto allí como en Huesera, el sonido es importante para crear una atmósfera inquietante y mantenernos al filo del asiento. A diferencia de Valeria, Rosemary decide seguir el mandato de la maternidad, aún cuando su hijo representa para ella lo monstruoso.

La maternidad se muestra como un mandato social de género que se encuentra tan arraigado en la psique de las mujeres que nos parece un deseo propio; no obstante, para algunas se devela como ajeno durante el embarazo o posterior al parto, lo cual tiene una carga social en forma de rechazo, crítica, burla, en suma actos discriminatorios y violentos; y también tiene una afectación en el bienestar mental en forma de trastornos que pueden llegar a ser incapacitantes y causa de exclusión social y medicalización.

La independencia de las mujeres se ve afectada, pues a diferencia de los hombres, ellas pueden perder su fuente de ingreso por su condición gestante y en consecuencia su independencia económica, pues la maternidad las obliga a anteponer el cuidado de las infancias, lo que las limita en ámbitos como el esparcimiento y el uso del tiempo libre, que son importantes para su bienestar físico y mental. A pesar de que en el siglo actual se habla de los derechos que las mujeres hemos ganado y de que nuestra inserción en materia laboral es un gran logro, es un hecho que el trabajo de cuidado de otras personas, es aún poco valorado; las brechas salariales existen, lo mismo que la doble jornada y el techo de cristal. También permanece el estereotipo del trabajador ideal 24/7, que es hombre y no tiene la obligación de cuidar hijos(as), ni personas ancianas.

Para algunas mujeres, las renuncias a las que lleva la maternidad también impactan su identidad, como en el caso de Valeria, las puede llevar a negar o a renunciar permanentemente a sus deseos y sueños, a concebirse de otra forma que puede ser tan opuesta que conlleva sufrimiento, dolor y angustia. También, como a Verónica, llevarlas y perpetuarlas en un estado de dependencia económica y de permanecer bajo la tutela de los padres, familiares, maridos y en algunos casos, del Estado.

Huesera habla del horror ante la amenaza de la pérdida de la identidad que viven algunas mujeres, ahora llamadas “madres arrepentidas”, quienes al enfrentarse a la maternidad con sus hijos e hijas en brazos, se percatan de que la decisión de ser madres no fue autónoma y propia, sino un condicionamiento social y un deseo de otros que les implica renuncias, límites y sinsabores, la parte oscura de la maternidad que aniquila el ser de las mujeres, no de todas, sólo de aquellas que se ven obligadas a serlo. Es así que Valeria logra salvar a su hija de ella misma, de esa otra mujer que ahora tiene rostro y que prefiere seguir su vida y sus sueños, por lo que renuncia a la maternidad forzada.